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L'art au cycle 3

Comment lire une oeuvre d'art au cycle 3 ?

Depuis le cycle 2, les élèves ont appris à développer l’aptitude à voir et regarder, à observer, décrire et comprendre les œuvres d’art.

L’enjeu de l’enseignement de l’histoire des arts au cycle 3 est de rendre les élèves capables :

Pour en savoir plus sur ces compétences, n'hésitez pas à consulter la fiche Histoire des arts au cycle 3

A l'école, les élèves apprennent à se constituer des repères pour situer dans le temps et l’espace, les œuvres d’art et les courants artistiques. Ils élaborent également une méthode pour observer, décrire et analyser ces œuvres à l’aide d’un lexique simple et adapté (par exemple, les matériaux, les techniques utilisés, etc.).

Quelles questions se poser face à une oeuvre ?

La démarche spécifique de « lecture d’œuvre » consiste à se poser successivement quatre questions :

Pour que les élèves soient en mesure de lire et comprendre le sens d'une oeuvre d'art, l’enseignant doit non seulement éduquer leur regard mais également veiller à leur donner toutes les informations nécessaires pour la comprendre, y compris sur les techniques utilisées (huile sur toile, gravure, enluminure, etc.).

Il doit également leur enseigner quelques termes du vocabulaire spécifique (clair-obscur, contraste, camaïeu, cercle chromatique, etc.).

Exemple de lecture d'une oeuvre  

Prenons l'exemple d'un autoportrait de Rembrandt, "Portrait de l'artiste au chevalet", réalisé en 1660 et exposé au Musée du Louvre.

Avant d'admirer le tableau, interrogez votre enfant sur son titre. Faites-lui rechercher dans un dictionnaire, si nécessaire, la définition d’un autoportrait (portrait d’un artiste par soi-même). Sondez-le également sur la construction du mot : il est constitué d'un préfixe (auto = soi-même) et d'un radical (portrait).

Puis présentez le tableau

Portrait de l'artiste au chevalet réalisé en 1660

Et guidez l'observation, à partir des quatre questions :

Qu’est-ce que je ressens ?

La première impression en regardant ce tableau est double, et deux mots viennent à l’esprit : réalisme et "ombres et lumière".

Ce que l'on voit en premier, c’est un bonnet jauni, puis un visage ridé, aux traits bouffis, d’une netteté crue, et qui reçoit toute la lumière du tableau.

Qu’est-ce que je sais ?

Là, c'est à vous de jouer et de fournir à votre enfant des informations qui pourront l'aider à comprendre l'oeuvre !

Il peut être utile d'effectuer quelques recherches sur sa vie, sur le contexte de la création de cette oeuvre, à rapprocher d'autres autoportraits de Rembrandt, appelé "l'artiste aux 70 autoportraits" !

Rembrandt Van Rijn est né en 1606 aux Pays-Bas. En 1631, il s’installe à Amsterdam et devient un portraitiste très célèbre, dont les tableaux sont achetés par les princes de toute l’Europe. Il ouvre son propre atelier et achète de nombreuses œuvres d’art. Mais à mesure qu’il vieillit, il boit de plus en plus, grossit et son style de vie fait scandale. On lui reproche de peindre selon ses goûts et non selon ceux de ses clients, et on juge sa peinture empâtée. Si bien que sa maison et ses collections sont vendues aux enchères. Il finit sa vie, ruiné et couvert de dettes.

Ses principaux rivaux sont Dürer, Le Titien, Rubens, Vermeer, Le Bernin, La Tour.

En 1660, lorsque Rembrandt réalise cet autoportrait, il a 54 ans et connaît quelques difficultés financières.

Cette année-là - six ans avant sa mort - c’est la première fois, qu’il se peint en artiste, palette à la main (après « Autoportrait aux deux cercles » au début de la même année).

Il est le premier peintre à se représenter en tenue de peintre ; il s’agit d’une véritable révolution à l’époque !

A partir de cette date, Rembrandt ne se peindra quasiment plus que vêtu de sa blouse de travail.
Jusque-là, les dizaines d’autoportraits (peintures ou gravures), qu’il avait réalisés le montrait travesti, déguisé, s’attribuant divers rôles (guerrier, oriental, notable…).

Il ne cherchait pas à y raconter sa vie ; il ne faisait pas preuve de narcissisme non plus ; il se servait juste de lui comme modèle, dans son parcours d’apprentissage de la peinture. Il lui fallait prouver qu’il était en mesure de tout peindre, et se distribuait des rôles possibles en fonction des effets de matière et de reflets.

Qu’est-ce que je vois ?

Le « Portrait de l’artiste au chevalet » est un autoportrait (peinture) beaucoup plus sombre que les précédents. 

Le point de départ pour l’observer est le bonnet jauni de l’artiste.
Là est l’éclairage principal ; de lui tout découle. La lumière descend de la tête, de l’œil, en oblique, le long du col jusqu’aux mains et enfin à la palette.
Ce trait de lumière se retrouve aussi sur la tranche de la toile peinte, représentée à droite du tableau, et qui ferme l’image. 

Tout le tableau n’est que clair-obscur (jeu d'ombres et de lumières) :

Le visage ridé, abîmé semble exprimer un mélange de confiance et de résignation, de tristesse aussi. Le nez, les yeux, le bonnet sont nettement tracés. L’artiste ne cherche pas à s’embellir.

Qu’est-ce que je comprends ?

Cet autoportrait, comme tous les autres que Rembrandt réalisera par la suite, n’est pas une commande. Rembrandt se représente, avec ses accessoires de peintre, pour lui seul. En 1660, après quelques années d’interruption, il souhaite se débarrasser de sa première manière "théâtrale" de se représenter.

Il ne veut plus d’atelier-théâtre. L’époque où il cherchait à briller, à jouer un nouveau rôle dans chaque nouvel autoportrait, est finie.

Désormais, il se dépouille, pour concentrer son art sur l’essentiel : la couleur.
Cette démarche, consistant à se représenter en train de peindre, relève d’une nouvelle conception de la peinture ; il se livre en véritable « corps-peinture ».

Pour aller plus loin 

N'hésitez pas à proposer à votre enfant de comparer ces autoportraits du 17ème siècle avec des autoportraits plus récents, voire contemporains : Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, Andy Warhol, etc.

Les autoportraits de Rembrandt

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